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2022-12-10

[在线观看不卡无码国产剧情]世界名画与室内设计

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美国白宫的设计图

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美国白宫的设计图

白宫共占地7.3万多平方米，由主楼和东、西两翼三部分组成。主楼宽51.51米，进深25.75米，共有底层、一楼和二楼3层。

底层有外交接待大厅、图书室、地图室、瓷器室、金银器室和白宫管理人员办公室等。外交接待大厅呈椭圆形，是总统接待外国元首和使节的地方，铺着天蓝色底、椭圆形的花纹地毯，上绣象征美国50个州的标志，墙上挂有描绘美国风景的巨幅环形油画.

图书室约60多平方米，室内的桌、椅、书橱和灯具等，均为古典式。藏有图书近3000册，其中不乏美国各个时期著名作家的代表作。此外，这里还存有美国历届总统的有关资料。在藏书壁柜旁的墙上挂着五幅印第安人的画像，这是当年美国总统在白宫会见过的印第安部落代表团的成员。

地图室珍藏有各种版本的现代地图集和一幅名贵的18世纪绘制的地图。二战期间，这里曾是罗斯福总统研究战争形势的密室。从1970年起，此处已改为接待室，室内挂着本杰明·富兰克林的画像和美国19世纪哈得逊河画派的风景画，如，哈特作于1858年的名画《山间湖水》等。

金银器陈列室藏有各种精致的英、法式镀金银制餐具和镶金银器。瓷器室收藏有历届总统用过的瓷制餐具，其中有一套从中国进口的名瓷。

从白宫的正门进入是主楼，进门后是大理石结构的门厅。大理石的墙、大理石的地板和许多大理石的柱子，气魄宏大，宽敞、明亮。四周墙上挂着20世纪美国总统的肖像。东大厅、绿厅、蓝厅、红厅和宴会厅依次相邻。东大厅是白宫中最大、装饰最富豪华气派的厅堂，长约24米，宽约11米，高约2.5米，可容纳200多人。这里有敞亮的落地长窗，光洁的橡木地板，巨型的水晶吊灯和烛台，桃木心木钢琴的琴腿上雕饰着四只金鹰，有18世纪名画家吉尔伯特·斯图亚特的传世名作--巨幅油画华盛顿及其夫人的全身像。这里曾是美国总统及其家属举行婚丧大事的会场，有4位总统的女儿在此举行过婚礼，7位总统在这里举办过丧事。1945年，美国第三十二届总统富兰克林·罗斯福逝世后就停灵于此。1974年，理查德·尼克松因“水门事件”离职前夕，也是在此与他的助手们挥泪告别的。现在，此厅供美国总统举行宣誓就职仪式、记者招待会、酒会、圣诞舞会等使用。有时，逢节日和周末，也请文艺界和体育界的名流在此演出和表演。

绿厅是第3代总统杰斐逊就餐之地。因以绿色基调装饰而得名，面积较东厅小得多。四壁有绿绸装饰的水彩画，地上是19世纪苏格兰画家大卫·马丁画的富兰克林肖像。现在，它是美国总统的客厅，总统常常在此举行正式酒会。当年门罗总统常在这里打牌消遣。

蓝厅因为肯尼迪总统夫人把白色墙壁改饰成蓝色而得名。窗帏是蓝色的，座椅靠背和座垫是蓝色的，窗外的天空也是蓝色的。厅内有一块19世纪的中国地毯，7把法国镀金椅子，一对19世纪路易十六时代的镀金桌子等名贵之物。还陈列有几幅美国早期总统及其夫人的画像。

红厅多用于总统夫人招待来宾。厅内四壁上的红绸水彩画同由斯图亚特画的麦迪逊总统夫人朵拉的红色肖像相辉映。此处有一总统贵宾接待室，以19世纪初法国资产阶级革命时期的风格加以装饰，室内家具十分名贵，其中有一架1805年的法国枝形吊灯和英国1850年制作的红、米、蓝、金四色地毯。

国宴厅是白宫第二大厅，以其华丽的装饰和精致的餐具著称。桌椅家具全为橡木所制，可同时宴请140位宾客，是举行国

宴的地方。厨房在地下室，可用升降机将食品送到宴会厅。厅中的设计与装饰均采取19世纪初叶英国摄政时期的风格。墙中间悬挂着林肯的肖像。壁炉上方刻有美国第二任总统约翰·亚当斯在迁居白宫后的第二个夜晚所写的一封书信中的名句："我祈祷上苍赐福于这座宅邸以及所有来日居于此间的人。愿白宫主宰者皆为诚实、明智之人。"

主楼二层，为总统全家居住的地方。主要有林肯卧室，皇后卧室，条约厅和总统夫人起居室，黄色椭圆形厅等。林肯卧室是林肯办公和召开内阁会议的地方，著名的《解放黑人宣言》即在此签字。以玫瑰色和白色为主调加以装饰的皇后卧室，曾接待过英国伊丽莎白女王、荷兰女王等贵宾。

白宫西翼由西奥多·罗斯福总统主持，于1902年建成；东翼由富兰克林·罗斯福总统主持，于1941年建成。其中最主要的厅室是西翼内侧的椭圆形总统办公室。它宽敞、明亮，地上铺着一块巨大的蓝色地毯，地毯正中织有美国总统的金徽图案：50颗星排列成圆形，环绕着一只鹰。办公室后部两侧分别竖立着美国国旗和总统旗帜。正面墙上是身着戎装威容凛然的华盛顿油画像，两边摆着两只雅致的中国古瓷花瓶。办公室左边墙架上陈设的外国贵宾赠送的礼物中，有中国1979年赠送的"马踏飞燕"仿古青铜器。总统的大办公桌上放置着这样一条座右铭："这里要负最后责任。"

白宫的南面，是一个由粗大的乳白色石柱支撑的宽大门廊，正面4根，旁边各2根。门廊的正前方就是有名的南草坪。总统的直升飞机座机可在此起落。由于白宫是坐南朝北，因此南草坪就成了白宫的后院，通称为总统花园。园内，灌木如篱，绿树成荫，如垠草坪中有一水池，池中喷泉喷珠吐玉，高可数丈。池塘四周的花圃里，姹紫嫣红。南门前两侧8棵枝繁叶茂、生机勃勃的木兰树，已有150年树龄。国宾来访时，都要在南草坪举行正式欢迎仪式。每年春天的复活节时，总统和夫人都要在这里举行传统的游园会。

白宫现在供游人参观的部分主要是白宫的东翼，包括底层的外宾接待室、瓷器室、金银器室和图书室，一楼的宴会厅、红厅、蓝厅、绿厅和东大厅。它是世界上唯一定期向公众开放的国家元首的官邸。

美国为了确保本国总统及高官们的安全，在白宫下面修筑了一座坚固而隐蔽的地下掩体，这座掩体修筑较为复杂，拥有美国自认为最为先进的生化武器，一旦战争爆发或有可能威胁处于白宫内人员的安全时，总统会义无反顾的率领美国高官们涌入该掩体，当然，其内部也是相当豪华的，有全自动淋浴系统，也有充满营养的各种特色食品，都是美领导人们最喜欢的。FBI称该掩体为“two-storyseptictank”。

世界名画 很简单的 蓝色背景

你说的应该是西班牙著名超现实主义画家 胡安-米罗 的油画作品《蓝星》(Étoile Bleue)

此画被拍出2350万美金的高价

《蓝星》(Étoile Bleue)



胡安-米罗Joan Miró（1893-1983年）


胡安-米罗Joan Miró（1893-1983年），他4月20日出生于西班牙巴塞罗那附近的塔拉戈纳的蒙特罗伊格。那里是东西方文化交流的桥梁，是产生罗马风格的摇篮，深受意大利文艺复兴的影响，又是最先接受现代艺术的地方，是诞生毕加索和达利的国家。


米罗1893年出生于西班牙的巴塞罗那，父亲是一位金匠和钟表匠。胡安·米罗14岁时进入巴塞罗那的St. Luke艺术学院学习，早年接触过许多前卫艺术家，如凡高、马蒂斯、毕加索、卢梭等人的作品，也尝试过野兽派、立体派、达达派的表现手法。逐步形成了完全属于自己的艺术风格。他的代表作为1957年到1959年间创作的两项陶壁作品——太阳和月亮之壁。


米罗是二十世纪绘画大师，超现实主义绘画的伟大天才之一。米罗艺术的卓越之处，并不在于他的肖像画或绘画结构，而是他的作品有幻想的幽默——这是其中一个要素。另一个卓越之处就是，米罗的空想世界非常生动。他的有机物和野兽，甚至他那无生命的物体，都有一种热情的活力，使我们觉得比我们日常所见更为真实。


米罗是非常多产的，画风始终如一而又多样变化。以至想要一般性地追述一下都十分困难。早期作品受塞尚、梵高和毕加索及野兽派画家的影响，作品或带 有极为精雅的色彩和线条的运动，或具有立体主义的作风。在1920年代中期， 他在他的新天地中，探索了非常困难的一些方面，从《哈里昆的狂欢》的复杂性，到《犬吠月》和《人投鸟一石子》这类作品非常有魅力的单纯性。1928年 他访问了荷兰，受到荷兰少有的几个大师的影响。他制作了一系列的绘画，题名为荷兰的室内，那是从真实到幻想变形的实例。


2012伦敦苏富比印象派及现代艺术晚间拍卖会将于2月8日隆重呈献胡安·米罗（JoanMiró）的殿堂级作品《绘画》（Peinture），估价700万至1000万英镑／8400万至1亿2000万港元。此作结构恢宏，创意无可比拟，充分表现米罗高瞻远瞩的创造力，以及其独一无二的现代艺术风格。

《绘画》（Peinture）

　　苏富比印象派及现代艺术部欧洲主席HelenaNewman表示：“我们非常高兴能呈献米罗笔下其中一幅最具份量、千锤百炼的画作。此系列之作品构图精雅，被誉为最重要的米罗作品系列之一，标志着其艺术事业的转折点，于现代艺术殿堂上占有举足轻重的地位。


《绘画》是该系列中少数并未收藏于大型展览馆的杰作，故收藏家将有机会收购博物馆级艺术精品，实在是千载难逢。”

　　1930年代创意澎湃，米罗亦首次脱离形形式式的外在影响，开创独步同侪的艺术风格。这些作品不仅对后世影响深远，就连米罗自己也视之为个人的突破。他曾致函另一画家马蒂斯（Matisse），形容该批作品为“一次重大的成功，艺术生涯之中值得纪念的一大喜事”。该批作品亦于艺评界引起前所未有的热烈讨论，为米罗掀开事业的新一页。从作品可见米罗决心投入抽象主义的怀抱，却同时以其生活经验作为创作画中形相的基础。画作彷佛与每位观赏者对话，形相虽抽象，意境却清晰可辨。

（北京文艺网）2012年6月19日，胡安·米罗的一件经典之作将亮相伦敦苏富比拍卖，这件名为“Peinture”的油画估价达到了2000万英镑，如果顺利，这件作品将有望创造米罗的拍卖价格纪录。目前，米罗价格最高的作品是925年作的Poem，价格为1680万英镑。这也是今年早些时候在伦敦创造的记录。


　　“Peinture”是一张浓烈的蓝色绘画作品，米罗把这种蓝描述为“我梦想的颜色”。米罗1927年在这件作品中第一次呈现了这个梦幻般的蓝色，在以后的作品中，他反复使用了这个颜色，他对这个颜色的执迷甚至影响到了他之后的两位重要艺术家：马克·罗斯科和伊夫·克莱因。


　　苏富比印象派和现代部的负责人HelenaNewman说：“Peinture”是米罗最重要的绘画之一，艺术家毫不费力地在象征和抽象艺术之间建造了一个过渡的桥梁。从这个时期开始，他的作品看起来就非常现代、具有一种永恒的、普世的吸引力。


　 elenaNewman说，今年，那些20世纪的大师比如马格利特和达利等人的作品都有亮眼的表现，更不用说蒙克的呐喊以1.2亿美元的惊人价格成交，而米罗的这幅画无疑就是那些国际收藏家们渴求的东西。


在米罗的绘画中我们能感觉到线条是米罗绘画中的重要元素之一,他表现新生的力量,掩盖了物象本身的面貌。在弗洛伊德学说中清楚的表明,这种是超现实主义惯用的手法,即“幽默是不屈从精神的化身,是拒绝社会成见的表现:幽默是掩盖失望的假面具。


跟据米罗当时所处的历史环境,西班牙处于被侵略的战争时期,米罗呼吁对侵略事实的反抗,很显然是掩盖对现实社会失望的假面目。米罗将人性的形象与线条符号联系起来,从视觉观赏角度就让欣赏者产生联想,如《卡泰隆的乡下人》画面完全幽默地把线条与毛发结合起来,突显了两颗大眼睛。


米罗的绘画中大多数把头发抽象成类似这样的线条或是只展现带有标示的性器官,看起来滑稽可笑、冷幽默、残酷。米罗将线条表现为一种幽默的语言,比拟现实世界中的物象中最本质的形象作为创作的养分,只是这种形象以最简洁的线条形式幽默而会意的呈现给欣赏者。通常情况下,这种线条除了表现运动、暗示体积、突显空间,更重要的是抽象的表现米罗脑海中的艺术结构思维。


来源：《大众文艺》2012年第11期　　作者：黄胜男）

《加泰隆风景》

《哈里昆的狂欢》

你还知道哪些世界名画呢请简单的介绍介绍吧！ 米勒 《拾穗者》 　　是法国画家米勒在1857年创

鲁本斯《海伦娜·弗尔曼肖像》
《海伦娜·弗尔曼肖像》是巴洛克画家鲁本斯创作于1625年的一幅肖像油画。现存英国伦敦国家画廊。这幅是用漂亮和生动的色彩笔触来描绘的，线条十分流畅。这是鲁本斯笔下的妇女形象的特点，可能是他所处的上流社会环境，迎合上层贵族的审美要求，所以鲁本斯笔下的人物，尤其是妇女几乎都是贵妇人。

莫奈《睡莲（晚间效果）》
《睡莲（晚间效果）》一画，在鲜黄、橘黄和朱砂色彩的烘托下，像是一团燃烧着的火。旋风般强劲的笔触增加了火焰在睡莲云间扭曲上升的感觉，呈现出一片视觉的梦幻世界。这里，没有睡莲，只有一个个暗暗的大圆盘，其中，时有明亮的笔触将它们凸显出来。再也没有空间的标志，只有被画笔捕捉到的光和色彩。
现在这幅《睡莲》藏于巴黎马尔莫当·莫奈博物馆 。

梵高《十五朵向日葵》
《十五朵向日葵》描绘的是一些简单的插在花瓶里的向日葵，呈现出令人心弦震荡的灿烂辉煌。
画家梵高以重涂的笔触施色好似雕塑般在浮雕上拍上一块粘土。画家在表现希望和阳光的同时，依旧表达了这希望与阳光溜走的无情。
或许这幅油画反映了画家悲剧而又短促一生接近终结时的心理状态。

梵高《星夜》
油画作品《星夜》，又名《柏树和星空》是梵高在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。在梵高的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，梵高的病情时好时坏，在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。
油画《星夜》中用到的色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。 梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。
《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前；山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。
梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。

达芬奇《蒙娜丽莎》
《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。

达芬奇《最后的晚餐》
壁画《最后的晚餐》无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作。这幅画，是画家达芬奇直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。该画尺寸是421X903厘米，画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。为了构图使图做得比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次。越靠近耶稣的门徒越显得激动。耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。
达芬奇《抱银鼠的女子》
《抱银鼠的女子》是一幅精美肖像画，作者是达芬奇，《抱银鼠的女子》描绘了气质高贵沈静的切奇利娅·加莱拉尼，她是米兰公爵卢多维科·斯福尔扎的情妇，备受宠幸。 后来，这幅作品经一位无名氏重新敷色，这种不够亲切的气氛就更加强烈了。无论如何，切奇莉亚美丽的面孔和双手，显然出于大师笔下。而且，达芬奇为毛色光润、咄咄逼人的银鼠注入了生气。明暗的处理，是这幅肖像画中最引人注目之处，光线和阴影衬托出切奇利娅优雅的头颅和柔美的面孔。达芬奇频频从理论上阐述照亮室内人脸的光线来源问题，且一反光亮和阴影强烈对比法，他使用明暗法［光亮和阴形的均衡］创造间接照明的幻觉。 关于《抱银鼠的女子》这幅画的相关记录，一直到18世纪后半叶才被人发现。

世界名画几个人靠墙的叫什么

画作是《宫娥》。《宫娥》是世界三大名画之一（另两幅分别是《蒙娜丽莎》和《夜巡》）。画作里几人靠墙或立或站，神奇的是通过光影和构图的设计可以呈现出不同的人物数量。

由彩色方块构成的一副世界名画叫什么名字作者是谁

蒙德里安(Piet Mondrian，1872—1944)是风格派最核心的人物。1923年，凡·杜斯堡在《风格》杂志创刊五周年之际，写了一篇社论向蒙德里安致意：“尽管不同国家的好几位画家自觉或不自觉地努力创造一种新的造型表现，但在1913年前后，是画家彼德·蒙德里安第一个作为立体派富有逻辑的继续，实现了绘画上新的造型，这一行动得到最新一代荷兰画家们的拥护，使最先进的画家们相信有可能创造一种新造型风尚。因此，《风格》杂志把蒙德里安尊为新造型主义之父。”

蒙德里安，以其独特的“水平线——垂线”和原色、非色组合的极简绘画图式，将现代抽象绘画带到了一个新阶段。但是需要指出的是，他绘画的核心倒并不是抽象，而是某种内在的精神性追求。评论家乔治·施密特说， “他(蒙德里安)的绘画远非仅仅是形式的试验——它们象任何纯艺术作品一样，是伟大的精神上的成就。一幅蒙德里安的绘画挂在一所完全按照蒙德里安的精神设计的住宅或一间房里，那么这里比使用任何物质对象，都具有一种根本不同的特色和更轩昂的气概。它是精神观念或态度的最崇高的表现；它是规矩与自由之间的均衡的化身；它是平衡状态中元素的对立的化身；而且这些对立的精神的作用不低于物质的作用。蒙德里安在他的艺术中所赋予的精神力量，将从他的每一幅画中永远放射出精神的和肉体的光彩。”(赫伯特·里德著，刘萍君译： 《现代绘画简史》，上海人民美术出版社，第115、116页。)不过，这种以追求精神性为核心的绘画，其实并没有与客观自然绝对隔离开来。对蒙德里安来说，精神与物质是相通的。他认为， “在新造型主义中，那条将心灵与生活连结起来的纽带并未割断；因此我们绝对不会把它看作是对真正现实生活的否定，相反，我们将会看到物——心两重性趋于和谐。”(迟轲主编： 《西方美术理论文选》，四川美术出版社，第740页。)

蒙德里安出生于荷兰中部的阿麦斯福特，成长在一个严格信奉加尔文教的家庭。他的父亲是一位业余画家，而叔父则是职业艺术家。良好的家庭教育给了他直接的艺术启迪。20岁时，他在取得小学绘画教师资格和中学绘画教师资格以后，进入阿姆斯特丹的国立美术学院深造，成为一名勤奋刻苦、颇受老师赏识的好学生。他的早期绘画从学院派写实主义起步，受到过象征主义、印象主义、表现主义等风格影响。从一开始，对于形体构成因素的偏爱，便在其画中清楚地反映出来。

大约在1909年，蒙德里安对“通神论”产生浓厚的兴趣。他在该年五月正式加入“荷兰通神论者协会”。该协会的神秘教义，在对艺术的理解上充满神秘和象征的色彩。受通神论的影响，蒙德里安的艺术逐渐脱离自然外形，转而追求某种深层的内在精神的表达。这幅作于1910—1911年的三联画《进化》，可以说是一幅通神论的祭坛画。画中站着的人物处于恍惚沉思的状态，似乎已经获得了某种精神的启示。画面以蓝色为主调，点缀着黄色的星星和红色的西蕃莲花朵。独特的造型和对比鲜明的色彩使画面发散出某种患惑人心的力量。该画有一个颇为神秘的标题：《进化》。对于这一标题的选择，蒙德里安在其1914年的笔记中是这样解释的：

“有两条路通往精神的层次：一条是学理上的教导以及直接的实践(如沉思等)；另一条则是漫长却必然的进化之路，人们在艺术中看到精神性的缓慢成长，这是艺术家自己所未能意识到的。去接近艺术中的精神性吧尸(《大英视觉艺术百科全书》，大英百科股份有限公司，第96页。)
http://www.singtaonet.com/culture/arts/t20060106_112740.html

http://news.zol.com.cn/27/277698.html

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